你好请问一下优艾设计网_电脑技术，millet这幅画是谁画的啊？
118****391 优艾设计网_Photoshop交流 2021-05-17 07:34 作者：让·弗朗索瓦·米勒（Jean-Francois Millet）作品名称：《播种者》（The Sower）时间：1850年 材质：油彩·画布 规格：101cmX82.5cm 现藏于：美国波士顿美术馆藏
M34****915 2021-05-17 07:37 优艾设计网_Photoshop交流 库尔贝
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M34****915 2021-05-17 07:48
侯文俊 2021-05-17 07:54 一、 中国画于西洋画在内容方面的比较 世界上的绘画，基本上可以分为两大体系，就是东方画于西方画，也可以叫做东洋画于西方画。东方画以中国画为主，西方画以油画为主。 东方画于西方画着两大绘画体系各有其特点，若就中国画于西洋画比较，则不论在内容和形式方面，都有相似的地方，但也有不同的地方。 在两者比较以后，不断可对中国画，夜空对西洋画有个初步的了解，而且对于坐在进一步的研究是有帮助的，对于“古为今用，洋为中用”也是有利的。 现在，先就内容方面来说，中国画于西洋画相似的地方，约有三点。 第一点，中国画于西洋画的历史，其发展的初期，都是注重人物画的。并且都曾为宗教服务过，构成所谓宗教画。由于中国古代封建制度，在帝王、贵族、地主的反动统治下，要绘画为他们服务。中国画在汉朝以前，曾把帝王、圣贤、功臣像极其事迹，画在壁画上，还画有二十四孝图等，宣扬忠孝等封建礼教。后来，汉明帝时，佛教传入中国，就有了佛画，再为晋南北朝时代，道释教、佛教盛行一时，到处建立寺、院，大画道释画，尤其是佛画更为发达，当时著名的画，例如卫协的“七佛图”、顾恺之的“维摩诘图”和“洛神赋图卷”、陆探微的“阿难维摩图”、孙僧繇的“定光如来像”等。这种宣扬封建礼教和宣扬宗教极其出世思想。其目的都是封建统治阶级麻痹人民巩固其政权的手段。 在西洋画方面也有相似的情况，就是西欧各国在古代封建社会中世纪时期，其文化完全为基督教神学所笼罩，科学、教育、文学、艺术都带有宗教性质，西洋画也没有例外，是为宗教服务的。十五世纪意大利文艺复兴时期，已有资本主义萌芽，艺术虽然开始从封建思想的禁锢中解放出来，有描绘当时社会生活的现实主义艺术出现，不过，还不能完全摆脱宗教的束缚。人物画兴盛，但大多仍从宗教或古代神话中吸取题材，例如乔托（Giottodi Bondene）画有“基督之死”、“犹大之吻”、。到了十六世纪，文艺复兴的全盛时代，都市繁荣，导致了资本主义艺术的昌盛，但人物画仍多取材于宗教故事，不过已经拨去了神的神秘外衣，而带有资产阶级的思想感情，例如芬奇（Leonardoda Vinci）的名画“最后的晚餐”、米开朗基罗（Michelanglo Buonarroti）的“最后的审判”、拉斐尔（Raffello Sanzio）的“圣母像”、“西斯廷圣母像”等都是。 上面举的几个画例，“基督之死”是描绘季度被捕，钉死在十字架上的宗教故事。“犹大之吻”是描绘门徒犹大在基督被捕前虚伪地和她问别的故事。“最后的晚餐”是描绘季度在被捕前和门徒的最后一次晚餐。“最后的审判”是描绘一些使徒和殉教者到基督面前受最后审判的宗教故事。 “圣母像”是描绘圣母的肖像。所谓圣母，是基督教徒对己都耶稣的母亲玛丽亚的尊称。“西斯廷圣母像”是描绘圣母把她的爱子即几多耶稣献给人类的宗教故事。 第二点，中国画的山水，在古代本来优艾设计网_PS问答只作为人物画的背景而存在着，在画面上所占的地位不多，后来，山水在画面上所占的地位逐渐扩大，终于发展成为独立的一种绘画，花鸟画也有类似的情况。就西洋画来说，西洋的风景画与中国的山水画虽然不同，其静物画也与中国的花鸟画不同，但其发展过程却与山水画和花鸟画有相似的情况。 在中国画方面，山水画在汉朝有萌芽，据传刘褒画有“云汉图”和“北风图”。在成都出土的汉画像砖中，有块砖上描写山中狩猎于井矿采盐的场面，在画面上大部分画的是群峰罗列的山景，人物几乎成为点缀。山水画开始脱离人物画而独立起来，是在六朝时代，那时候，顾恺之、王微、宗炳都能画山水，顾恺之写有《画云台山记》一文，宗炳写有《画山水序》一文，据传宗炳是“好山水，西涉荆巫，南登衡岳，因结宇衡山。”并且“方所游历，皆图于壁。”（《历代名画记》卷六）可惜其画失传。发展到隋代，展子虔的“游春图”是一直保存到现在的最古的一幅山水画。到了唐代，山水画已经成熟，不但完全独立，并且发展成为一种重要的画科。当时著名的山水画家有吴道子、李思训、王维、张璪……等。 花鸟画也是到了唐代才发展成为独立的一种画科。到了晚唐，花鸟画更昌盛，著名的画家有边鸾、刁光胤……等。 山水画和花鸟画之所以能够成为独立的一科。也是有一定的阶级关系的，当时画山水、花鸟的，多是一班士大夫阶级的文人、名士甚至是隐士，所谓“诗中有画，画中有诗”绘画与诗文结合起来，脱离了政治和宗教的束缚，走到另外一个境界中去了。 在西洋画方面，最初，风景画也是以作为人物画的背景出现的。后来，在十七世纪的荷兰，才有纯粹的风景画的萌芽，例如仑勃兰德（Rembrandt Harmensz van Rijn）、诃贝玛（meindert Hobbema）、路易斯达尔（Jacob van Ruisdael）等的风景画。十八世纪末的法国资产阶级大革命沉重地打击了封建制度，为法国资本主义扫清了道路。此后，浪漫主义画派兴起，出现了不少风景画家。但是，风景画真正发展成为独立的一科，是在十九世纪初期，具体地说，是在一八三零年左右，那时候重要的风景画家先后有：英国的忒涅(Joseph Mallord William Turner)、法国的科洛(Millet Corot)、米勒Jean Francois Millet)等人。印象画派则更进一步发展了风景画，其中主要的画家是莫奈(Claude Monet)、毕沙罗(Camille Pissarro)、西斯莱(Alfred Sisley)等人。莫奈的代表作有“威尼斯”、“泰姆士”及其连坐（Serie）“草堆”和“庐安寺的前门”等。 所谓静物画，是把画中的“五”看成是静止的不动的东西。静物画的萌芽较后与风景画，约在十八世纪初，开始有“静物画”（stilllfe）的名词，最初的静物画画的是“食桌”，在食桌上放一些食物和杯盘等物，例如夏尔丹（J. S. Chardin）的静物画。静物画之成为独立的一科，同样是在十九世纪初的那个时期。 第三点，中国画于西洋画，最初都是注重内容的，但发展到后来，都变为注重画面上的笔墨色彩而不注重其内容了，这种从重视内容到重视形式的趋势是相似的。 在中国画方面，前面已经说过，在历史上，起初是指画人物，为宗教服务。但发展到后来，山水画和花鸟画兴起后，所画的山水或花鸟，都含有一定的意义，例如一幅古代的山水画往往是表示隐逸的消极思想，一幅古代的花鸟画并非为花鸟而画花鸟，而是含有一种意义在内的，例如画竹子以象征清高，画牡丹以象征富贵等等。不过，发展到后来，其所含的象征意义渐渐被视为次要的，而画面上的笔墨趣味及其优劣却变成为重要的了。但是这种轻重倒置的情况，在全国解放以后，已经逐渐转变过来，基本上实现了评价中国画的标准为内容第一、政治第一，而形式和笔墨已褪去到第二位了。 在西洋画方面，也由于中国画相似的情况，就是西洋画在绘画宗教化的时期，也是注重画的内容的。但是，在进入十九世纪以后，“自然主义画派”和“印象画派”都注重于描绘画面上光和色的变化，注重于外形的呈现，并且不但对风景画、静物画是这样描绘，就是对于人物画也是这样画的，对于画的内容则反不加注重。 在内容方面，中国画于西洋画不同的地方也约有三点。 第一点，中国画方面，所画的山水、花鸟往往含有象征性，注入了一定的主观部分，例如画梅花、松树或菊花，以象征其不怕严寒，用于冰雪斗争的精神。古代人所画的山水画，往往是讴歌消极的隐逸思想的，例如宋马远华的“寒江独钓图”和元钱选画的“山居图卷”。 而西洋画的风景画和静物画是没有什么象征性的，主要是纯粹地追求画面上的美，讲究光和色的调和，花的内容反而处于次要的地位。 第二点，中国画在主题内容方面的选择，除人物、山水、花鸟等几种画科外，有些东西如花鸟中的梅竹、鸟兽中的马、牛、羊及其他杂物，画家们喜专门擅长画其中之一物，例如在唐朝，韩干长于画马，韩滉长于画牛；张南本长于画火，孙位长于画水；元王冕长于画梅等等。晚唐在山水画和花鸟画兴起以后，出现了这种情况。 但是在西洋画方面，是没有这种情况的。 第三点，在中国画的画面上，可以题诗以阐发那幅画的主题思想，诗和画互相结合起来，这种例子是很多的。而在西洋画方面是没有这种情况的。 二、中国画于西洋画在形式方面的比较 再就形式方面来看，则中国画于西洋画所不同的地方较多，而相通的地方太少。 第一，在中国画方面，人物画中的人物都穿着衣服，很少是裸体的，主要在于表现人物的姿态和特点，并不在于讲究人体各部分的比例和动作时肌肉和外形的变化，所以没有研究“艺术解剖学”的必要。 在西洋画方面，人物画中的人物有裸体的，所以必须研究“艺术解剖学”，严究人体各部的骨骼比例及动作时肌肉外形的变化等等。 这一点主要是因为西洋人对待人体美的态度和着眼点，与中国人有所不同。 第二，中国画中的景物，不重视也不描绘物体上的光及物体上的色彩因受到光的影响所起的变化，换一句话说，就是不大注重形似，所注重描绘的是景物的神奇和性格，也就是说，注重神思。花鸟画里的画是生动的，鸟也是有动态的。 西洋画里的景物，非常注重物体上的光和其色彩因受到光的影响所引起的变化，要求描绘的肖似，与真实景物一般无二，换一句话说，就是重视形似，静物画里的鸟是静的死的。 第三，中国画可以不受“透视法”的拘束，在一幅画的画面上，其视点是不固定的，可以上下前后自由移动，突破了空间的约束。 西洋画由于重视形似，诛求立体化，要求肖似真实的景物，所以非常重视“透视法”，在一幅画面上，只能有一个固定的观点，不能随意移动。 第四，中国画在画面上很重视线。画人物，要先勾线，后填色，在衣服上所勾的线叫做“衣褶”。画花鸟，也有先勾线后填色的方法，如工笔花鸟。画山水时，画山的线叫做“皴法”。这些线都要求它具有写字的笔法。并且，这种线并非仅指当作界线或轮廓看待，还具有表现人物的感情或物体的性质的作用。 在西洋画的画面上，不注重线而注重色，如在油画的画面上，一般只用色来分别出物与物之间的“界”，在界上并不描“线”，在十九世纪末的一些西洋画派也描线，不过这种线仅只起着轮廓的作用而已。铅笔画、木炭画等素描画，在画面的物体上所描的线，其作用也是如此。 第五，中国画不重视背景，画面上往往要留出很多空白。 西洋画则重视画背景，不论人物、风景或静物画，都要画背景，画面上涂满了色彩，不留一点空白的地方。 第六，中国画的画幅形式是多种多样的，小幅画有册页或扇面等形式。较大的画有叫做“卷轴画”的形式，卷轴画除直幅者外，还有叫做“手卷”的横幅形式，无论直幅或横幅都可以长达一丈有余。 西洋画幅的形式，一般为长方形，长方形的大边与小边纸币，约为5：3，叫做“黄金律”比较缺少变化。 第七，中国画的工具，一般是毛笔和宣纸，除用颜色外，还用墨，在砚上磨成黑色后画之。西洋画的工具，除水彩画所用的毛笔与颜色，与中国画所用者相似外，其所用的至于宣纸不同。画油画，要利用油来代理水来调色，不画在纸上而画在布上。与中国画所用的工具有显著的不同。
覃天 2021-05-17 07:54 《达.芬奇自画像》 意大利绘画大师达.芬奇的素描精品。他的素描作品的艺术水平已达极高的境地,被誉为素描艺术的典范。在这幅《自画像》中,画家观察入微,用的线条丰富多变,刚柔相济尤其善用浓密程度不同斜线表现光暗的微妙变化,此画用线生动灵活,概括性强,简单的寥寥数笔却包含许多转折,体面关系,发线代面,立体感很强,还有,人物的表情也很传神。 《岩间圣母》 此画为祭坛画 ,达芬奇， 189.5X119.5厘米,现藏伦敦国立美术馆. 此画是应一宗教团体之请而为米兰的圣弗朗切斯科教堂的一间礼拜堂作的祭坛画。此画以圣母居图中央,她右手扶婴孩圣约翰,左手下坐婴孩耶酥,一天使在耶酥身后,构成三角形构图,并以手势彼此响应,背景则是一片幽深岩窟,花草点缀其间,洞窟通透露光。此画虽属传统题材,然表达手法和构图布局皆表明达.芬奇的艺术水平之高深。人物,背景的微妙刻画烟雾状笔法的运用,科学地写实以及透视,缩形等技术法的采用,表明了他在处理逼真写实和艺术加工的辩证关系方面达到了新的水平。这幅画是标志达.分奇盛期创作开始的作品。 《蒙娜丽莎》 《蒙娜丽莎》 达.芬奇 油画 77X53厘米,现藏卢佛尔美术馆。 <<蒙娜丽莎>>是一幅享有盛誉的肖像画杰作,它代表达。芬奇的最高艺术成就.,成功地塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象。画中人物坐姿优雅,笑容微妙,背景山水幽深茫茫,淋漓尽致地发挥了画家那奇特的烟雾状“空气透视”般的笔法。画家力图使人物的丰富内心感情和美丽的外形达到巧妙的结合,对于人像面容中眼角唇边等表露感情的关键部位,也特别着重掌握精确与含蓄的辩证关系,达到神韵之境,从而使蒙娜丽莎的微笑具有一种神秘莫测的千古奇韵,那如梦似的妩媚微笑,被不少美术史家称为“神秘的微笑”。 达·芬奇在人文主义思想影响下,着力表现人的感情。在构图上,达·芬奇改变了以往画肖像画时采用侧面半身或截至胸部的习惯, 代之以正面的胸像构图,透视点略微上升,使构图呈金字塔形,蒙娜·丽莎就显得更加端庄、稳重。 另外，蒙娜·丽莎的一双手，柔嫩、精确、丰满,展示了她的温柔,及身份和阶级地位。显示出达·芬奇的精湛画技和他观察自然的敏锐。 《最后的晚餐》 《最后的晚餐》达.芬奇 油画 1495-1498 420X910厘米,现藏米兰圣玛利亚德尔格契修道院. 达.芬奇毕生创作中最负盛名之作。在众多同类题材的绘画作品里,此画被公认为空前之作,尤其以构思巧妙,布局卓越,细部写实和严格的体面关系而引人入胜。构图时,他将画面展现于饭厅一端的整块墙面,厅堂的透视构图与饭厅建筑结构相联结,使观者有身临其境之感。画面中的人物,其惊恐,愤怒,怀疑,剖白等神态,以及手势,眼神和行为,都刻划得精细入微,唯妙唯肖。这些典型性格的描绘与画题主旨密切配合,与构图的多样统一效果互为补充,使此画无可争议地成为世界美术宝库中最完美的典范杰作 《创造亚当》 《创造亚当》 米开朗基罗 壁画 1508年 米开朗基罗的代表壁画中的重要部分。因为他在佛罗伦萨的盛名,当时的罗马教皇尤里乌斯二世邀他参加制作教皇陵墓,后又中断。1508年他被迫接受了西斯廷礼拜堂屋顶壁画的任务,他当时的心情是悲愤的,不料此壁画后来成为他生平最大杰作。西斯廷屋顶壁画面积达500平方米左右,是美术史上最大的壁画之一。米开朗基罗在大厅的中央部分按建筑框边画了连续9幅大小不一的宗教画,均取材于《圣经》中有关开天辟地直到洪水方舟的故事,分别名为《神分光暗》,《创造日,月,草木》,《神水分陆》,《创造亚当》,《创造夏娃》,《诱惑与逐出乐园》,《挪亚献祭》,《洪水》,《挪亚醉酒》。这幅巨型壁画历时4年多才完成,由于长期仰面艰苦作画,他颈项僵直,书信都要置头顶仰视.其中以《创造亚当》最为出色,画中亚当的形象体态健壮,气魄宏伟,具有强烈的意志与力量,显示了艺术家在写实的基础上非同寻常的理想加工,予同时代人深刻的启示。 《播种者》 《播种者》 米勒 1850年 101X82.5厘米 美国波士顿美术馆藏 。 米勒(Jean-Francois millet 1814-1875)法国画家。1814年10月出生于诺曼底半岛格鲁什村的一个耕农家庭,1875年1月卒于巴比松。他自幼参加田间劳动。此画描绘了一对青年夫妇赶赴田间劳作的图景，构图线条分明，很好地反映出农民特有的气质；色彩沉着,加之丰富细腻的暖调子,使作品在纯朴浓厚浑厚中,具有撼人的力量。 《梦》 毕加索 油画 1932年 1927年,47岁的毕加索与长着一头金发,体态丰美的17岁少女初次相遇,从此,这位少女便一直成为毕加索绘画和雕刻的模特儿。<<梦>>这幅画作于1932年,是毕加索对精神与肉体的爱的最完美的体现。 《拾穗者》 米勒 1857年 油画 83.5X111厘米 巴黎卢佛尔博物馆藏。 米勒出身于农民家庭,在他眼里，大自然有着“无穷无尽的壮观”。他曾因他的“乡下佬模样”和质朴的画风被巴黎沙龙中的某些同行冠以“森林中的野人”的绰号,米勒试图把我们引入土地的深处，在开阔而又静穆的景观中去感受她的沉重与充实，倾听她深沉宁静的呼吸，体会她朴实顽强的生命，体会土地与土地上的农民自然般运行的命运。在这幅画中,米勒采用横向构图描绘了三个正在弯着腰,低着头,在收割过的麦田里拾剩落的麦穗的妇女形象,她们穿着粗布衣裙和沉重的旧鞋子,在她们身后是一望无际的麦田,天空和隐约可见的劳动场面。米勒没有正面描绘她们的面部,也没有作丝毫的美化,她们就如现实中的农民一样默默地劳动着。在造型上,米勒用较明显的轮廓使形象坚实有力,很好地表现了农民特有的气质。色彩沉着,加之丰富细腻的暖调子,使作品在纯朴浓厚浑厚中,具有撼人的力量。罗曼.罗兰曾评论说:"米勒画中的三位农妇是法国的三女神"。 《伊莎贝尔.科沃斯.德波塞尔夫人》 哥雅 1806年 82*54.6公分 哥雅（Francisco Jose de Goya Y Lucientes,1746-1828)西班牙近代现实主义画家。出身农民家庭，14岁开始学画。年轻时曾任宫廷画家。1793年思想由乐天无忧进入愤懑呐喊；画风有明朗鲜明转为深沉浑厚，是近代现实主义绘画的奠基人。 《伊莎贝尔.科沃斯.德波塞尔夫人》是哥雅早期宫廷画之一，这幅充满自信的西班牙女性画像，是哥雅极富热情的杰作。其人物原形是卡斯蒂里亚地区的高官夫人，按照十八世纪后期上流社会风行的典型装束创作。 《草地上的午餐》 《草地上的午餐》 马奈 油画 1863年 213.4X268厘米 藏巴黎卢佛宫博物馆 《草地上的午餐》1863年在落选者沙龙中展出,一画引起了世所罕见的轰动,他直接表现尘世环境，把全裸的女子和衣冠楚楚的绅士画在一起，画法上对传统绘画进行大胆的革新，摆脱了传统绘画中精细的笔触和大量的棕褐色调，代之以鲜艳明亮、对比强烈、近乎平涂的概括的色块，这一切都使得官方学院派不能忍受。此画在构图上,把人物置于同一类树木茂密的背景中，中心展开了一个有限的深度，中间不远的地方那个弯腰的女子，成为与前景中三个人物组成的古典式三角形构图的顶点。在技法上,把绘画作为二度表面的主张又向前推进了一步,在对外光和深色背景下出现作了新的尝试,因此此画在艺术技巧和历史意义上都是一个创新。 《天上的爱与人间的爱》 提香 意大利 1515年 118X279厘米 《天上的爱与人间的爱》描绘的是美狄亚与维纳斯的相会,裸体的维纳斯劝她身旁的美狄亚去协助伊阿宋盗取金羊毛,但从画面情节来看这种说法又很不确定,所以内容至今未定。此画是提香描绘女性美创作的早期作品，这一阶段是他陶醉于乔尔乔奈的风格时期,这个时期的创作在很大程度上是强调人的壮美与和谐,此画风格粗犷豪放，笔力雄健，但人物本身所具有的闲雅微妙的精神状态与纯洁高尚的品质，又使作品具有牧歌式的情调,宁静优美。提香笔下的裸体美,具有生活与感情的因素,绝不是神化了的女性加之独特的构图和雄浑辉煌的色彩都铸就了此画不朽的艺术魅力。 《圣母升天》 提香 意大利 690*360 教堂壁画 这是一幅具有恢宏气势的巨大壁画,描绘了圣母升天的神圣瞬间,具有浓厚的宗教色彩。画中，站于地面上的是仰天呼送圣母的人们,动态不一,但神情却是一致的虔诚,中间是一群被天使们簇引,身穿红衣的圣母,上方是有天使相随的上帝。这是提香早期作品,构图庄严,描绘真实细腻。 《美丽的女园丁》 《 美丽的女园丁》 拉斐尔 油画 1507年 122X80厘米 此画通过美丽的女园丁的形象,表现圣母玛利亚的世俗之爱的精神。笔锋细腻，技巧完美，表现女园丁的亲切、和蔼，赤子的纯洁可爱，对于母性的依恋，给人一种感受煦暖阳光普照的亲情。生动传神地传达了作者对生活的渴望。 《维纳斯的诞生》 《维纳斯的诞生》 波提切利 布上画 1432年 175X283厘米 藏于乌菲齐美术馆。 波提切利(Sandro Botticelli 1445-1510意大利画家,佛罗伦萨画派的重要代表,《维纳斯的诞生》是他的名作，创作于1432年左右。据说，画家从波利齐安诺一首长诗《吉奥斯特纳》中受到启迪而绘就的，此画再现女神维纳斯从爱琴海中浮水而出,风神,花神迎送于左右的情景,画中维纳斯的姿态，是按照古典雕像的样式来描绘的，然而画上的形象并没有古典雕像的健美与娴雅，给人一种是萎靡和娇弱，并且充满着对生活的迷茫的感觉，这也是波提切利本人矛盾世界观的反映。但在另一方面又强调了秀美、清纯、含蓄之美。 波提切利很善于用线。线条在维纳斯裸体上变得极为流畅，至于那个风神形象上的线就更复杂，具有旋转的趋势。全画的色调也极明朗和谐，艺术家用这一切来尽量强调形象的秀美与清淡，只能让人感到作者的意图是神秘的，主题思想是隐晦的。 《凡高自画像》 凡高是荷兰人,但长年生活在法国,是后印象派的重要的画家。1887年，通过弟弟提奥的介绍，凡高在巴黎见到毕沙罗，修拉、和高更。开始接受印象派的画风。更加强调用色彩突出主题的绘画风格。在他的画中，总是一片色彩和笔触的狂欢，这种画面所造成的气氛效果表现出一种罕见的旺盛的生命力。这副《自画像》就是如此。凡高一生画过无数的《自画像》，这幅《自画像》属较前期作品。 《向日葵》 凡高 1888年 91X72厘米 凡高的艺术是伟大的,然而在他生前并未得到社会的承认。他作品中所包含着深刻的悲剧意识,其强烈的个性和在形式上的独特追求,远远走在代的前面,的确难以被当时的人们所接受。他以环境来抓住对象,他重新改变现实，以达到实实在在的真实，促成了表现主义的诞生。在人们对他的误解最深的时候，正是他对自己的创作最有信心的时候。因此才留下了永远的艺术著作。他直接影响了法国的野兽主义,德国的表现主义,以至于20世纪初出现的抒情抽象肖像。《向日葵》就是在阳光明媚灿烂的法国南部所作的。画家像闪烁着熊熊的火焰,满怀炽热的激情令运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力,色彩的对比也是单纯强烈的。然而,在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。观者在观看此画时,无不为那激动人心的画面效果而感应,心灵为之震颤,激情也喷薄而出,无不跃跃欲试,共同融入到凡高丰富的主观感情中去。总之,凡高笔下的向日葵不仅仅是植物,而是带有原始冲动和热情的生命体。 《 苹果与橘子》 塞尚 法国 74 x 93 cm 现藏芝加哥艺术学院。 塞尚(Paul Cezanne 1839-1906),法国画家,继印象主义之后的绘画革新家,与凡高,高更一起被后人称这"印象主义之后"（Post-impressionism）。他认为：印象派画家表现的主观感觉和印象经常是“混乱的”，因此他主张排斥事物闪动而模糊的外表，去领悟那永不改变的内在真实。他在画中，注重探索事物的 “结构”，表现深植于事物中的本性；塞尚在吸收印象主义技法的同时,更加关心实体感与构图,关心均衡与结构,因此画面显示出凝重厚实和恒定持久的感觉。《苹果与橘子》就是这一技法的典型。另外，画中构图和谐流畅，无论从哪一方面来看，都体现出美感。 《教皇英诺森十世像》 1650年 油画 140X120厘米 罗马利来-庞斐利画廊。 委拉士贵支在1649年第二次去意大利时在那里完成了一幅著名的肖像画<<教皇英诺森十世像>>,在这幅肖像中,画家既表现了此人的凶狠和狡猾,又表现了这个七十六岁老头优艾设计网_设计LOGO子精神上的虚弱。画面上的教皇,尽管脸上流露出一刹那坚强有力的神情,但是他放在椅上的两只手都显得分外软弱无力。画家巧妙地抓住了这一点使人物形象变得更富有个性。从而给观众增加了很多的联想。这幅作品的油画技巧也是十分出色的。画面上,火热的红调子表现了特有的宗教的庄严气氛;白色的法衣和红色的披肩形成了强烈的色彩对比。笔触十分流畅自由,表现出艺术家的高超技巧。 《泉》 安格尔 1856年 164X80厘米 卢佛尔美术馆 此画是安格尔裸女形象中最负盛名的一幅,是他自于1820开始的,经近30年才完稿，传说他的助手还帮他绘制此画。是西欧美术史上描写女性人体的优秀作品之一。安格尔笔下的这个少女纯洁,典雅,恬静,健康,美丽,充满生命的活力和青春的朝气。画面左下角那朵含苞未放的雏菊下是她的象征。从这幅画里,人们感到的是一个宁谧,幽静的抒情诗般的境界,心灵得到慰藉,感情得到升华的崇高境界。当时,这幅画引起了人们极大的兴趣。争相抢购当时有五个卖主争执不休,后来被杜夏特尔伯爵买去了,后来他赠给卢佛尔博物馆。 《伏尔加河上的纤夫》 列宾 油画 1873年 藏于俄罗斯博物馆。 列宾(1844-1930),是俄国19世纪后期的俄国批判现实主义绘画主要的代表之一,《伏尔加河上纤夫》是他的成名之作。还在学生时代,彼得堡涅瓦河上纤夫的沉重劳动引起了列宾的同情,从那时候开始,他就想描绘一幅表现纤夫的作品,以提示下层劳动人民的痛苦生活和社会的不平。1870年夏季,列宾与同班同学华西里耶夫(他后来也画过有关纤夫的画)去伏尔加河旅行写生,典型的俄罗斯风光和纤夫的生活给他留下了难忘的印象。画中列宾画了十一个饱经风霜的劳动者,他们在炎热的河畔沙滩上艰难的拉着纤绳。纤夫们有着不同的经历和个性,他们生活在社会的最底层,但这是一支在苦难中练成坚韧不拔,互相依存的队伍。背景运用的颜色昏暗迷蒙，空间空旷奇特，给人以惆怅、孤苦、无助之感，切实深入到纤夫的心灵深处，亦是画家心境的真实写照，这对画旨的体现，情感的的烘托起了极大的作用。 因此本画的构图、线条、笔力等绘画技巧都是相当成功的。
118****391 优艾设计网_Photoshop交流 2021-05-17 07:34 作者：让·弗朗索瓦·米勒（Jean-Francois Millet）作品名称：《播种者》（The Sower）时间：1850年 材质：油彩·画布 规格：101cmX82.5cm 现藏于：美国波士顿美术馆藏
M34****915 2021-05-17 07:37 优艾设计网_Photoshop交流 库尔贝
ty_XY997 优艾设计网_PS百科 2021-05-17 07:43 神笔马良
M34****915 2021-05-17 07:48
有马奈、莫奈、雷诺阿、德加、西斯莱、毕沙罗等。
1、爱德华·马奈
爱德华·马奈（Édouard Manet，1832.01.23 － 1883.04.30）是19世纪印象主义的奠基人之一，1832年出生于法国巴黎。
他从未参加过印象派的展览，但他深具革新精神的艺术创作态度，却深深影响了莫奈、塞尚、梵高等新兴画家，进而将绘优艾设计网_设计模板画带入现代主义的道路上。
受到日本浮世绘及西班牙画风的影响，马奈大胆采用鲜明色彩，舍弃传统绘画的中间色调，将绘画从追求立体空间的传统束缚中解放出来，朝二维的平面创作迈出革命性的一大步。
2014年11月5日，他的《春天》在美国纽约佳士得拍卖行拍得3320万美元。
2、克劳德·莫奈
克劳德·莫奈（Claude Monet，1840年11月14日－1926年12月5日），法国画家，被誉为“印象派领导者”，是印象派代表人物和创始人之一。
莫奈是法国最重要的画家之一，印象派的理论和实践大部分都有他的推广。莫奈擅长光与影的实验与表现技法。他最重要的风格是改变了阴影和轮廓线的画法，在莫奈的画作中看不到非常明确的阴影，也看不到突显或平涂式的轮廓线。光和影的色彩描绘是莫奈绘画的最大特色。
3、皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿
皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿（Pierre-Auguste Renoir，1841—1919）印象派重要画家。1841年生于法国Haute-Vienne的小镇里蒙（Limoges），后来随家搬迁到巴黎。印象画派成员之一。以油画著称，亦作雕塑和版画。
早年当过徒工，画过陶瓷、扇子、窗帘等。曾从学院派画家格莱尔(Charles Gabriel Gleyre, 1806—1874)学画，后受德拉克洛瓦和库尔贝的影响，对鲁本斯及法国18世纪绘画有较深的研究。
在创作上能把传统画法与印象主义方法相结合，以鲜丽透明的色彩表现阳光与空气的颤动和明朗的气氛，独具风格。作品有《包厢》、《游船上的午餐》、《小玛高脱像》、《煎饼磨房的舞会》等。
4、埃德加·德加
埃德加·德加（Edgar Degas，1834—1917）印象派重要画家。他出身于金融资本家的家庭，他的祖父是个画家，因此他从小就生长在一个非常关心艺术的家庭中。
中学毕业后，德加报考了美术学校，他在意大利学习意大利的艺术，特别是文艺复兴时期的艺术。与此同时，他又在让-奥古斯特·多米尼克·安格尔（Jean-Suguste Dominique Ingres，1780-1867）的一位得意门生路易·拉莫特（Louis Lamott）的画室里学画。
5、西斯莱
西斯莱（Alfred Sisley，1839—1899），法国画家。主要画风景画，曾多次参加印象主义绘画展览。
早期代表作《木料场》、《枫丹白露河边》、《圣马丁运河》等表明他对色彩感觉特别敏锐，笔触轻快而有变化，特别善于运用微妙的色彩关系，表现具有诗意 的自然景色。
后期因受新印象主义影响，作画多采用点彩技法，作品有重在表现物象实体感的倾向，但缺乏内在诗意。作品还有《鲁弗申的雪》（"Snow at Louveciennes"，见插图）、《马尔港的洪水》、《洪水泛滥中的小舟》等。
侯文俊 2021-05-17 07:54 一、 中国画于西洋画在内容方面的比较 世界上的绘画，基本上可以分为两大体系，就是东方画于西方画，也可以叫做东洋画于西方画。东方画以中国画为主，西方画以油画为主。 东方画于西方画着两大绘画体系各有其特点，若就中国画于西洋画比较，则不论在内容和形式方面，都有相似的地方，但也有不同的地方。 在两者比较以后，不断可对中国画，夜空对西洋画有个初步的了解，而且对于坐在进一步的研究是有帮助的，对于“古为今用，洋为中用”也是有利的。 现在，先就内容方面来说，中国画于西洋画相似的地方，约有三点。 第一点，中国画于西洋画的历史，其发展的初期，都是注重人物画的。并且都曾为宗教服务过，构成所谓宗教画。由于中国古代封建制度，在帝王、贵族、地主的反动统治下，要绘画为他们服务。中国画在汉朝以前，曾把帝王、圣贤、功臣像极其事迹，画在壁画上，还画有二十四孝图等，宣扬忠孝等封建礼教。后来，汉明帝时，佛教传入中国，就有了佛画，再为晋南北朝时代，道释教、佛教盛行一时，到处建立寺、院，大画道释画，尤其是佛画更为发达，当时著名的画，例如卫协的“七佛图”、顾恺之的“维摩诘图”和“洛神赋图卷”、陆探微的“阿难维摩图”、孙僧繇的“定光如来像”等。这种宣扬封建礼教和宣扬宗教极其出世思想。其目的都是封建统治阶级麻痹人民巩固其政权的手段。 在西洋画方面也有相似的情况，就是西欧各国在古代封建社会中世纪时期，其文化完全为基督教神学所笼罩，科学、教育、文学、艺术都带有宗教性质，西洋画也没有例外，是为宗教服务的。十五世纪意大利文艺复兴时期，已有资本主义萌芽，艺术虽然开始从封建思想的禁锢中解放出来，有描绘当时社会生活的现实主义艺术出现，不过，还不能完全摆脱宗教的束缚。人物画兴盛，但大多仍从宗教或古代神话中吸取题材，例如乔托（Giottodi Bondene）画有“基督之死”、“犹大之吻”、。到了十六世纪，文艺复兴的全盛时代，都市繁荣，导致了资本主义艺术的昌盛，但人物画仍多取材于宗教故事，不过已经拨去了神的神秘外衣，而带有资产阶级的思想感情，例如芬奇（Leonardoda Vinci）的名画“最后的晚餐”、米开朗基罗（Michelanglo Buonarroti）的“最后的审判”、拉斐尔（Raffello Sanzio）的“圣母像”、“西斯廷圣母像”等都是。 上面举的几个画例，“基督之死”是描绘季度被捕，钉死在十字架上的宗教故事。“犹大之吻”是描绘门徒犹大在基督被捕前虚伪地和她问别的故事。“最后的晚餐”是描绘季度在被捕前和门徒的最后一次晚餐。“最后的审判”是描绘一些使徒和殉教者到基督面前受最后审判的宗教故事。 “圣母像”是描绘圣母的肖像。所谓圣母，是基督教徒对己都耶稣的母亲玛丽亚的尊称。“西斯廷圣母像”是描绘圣母把她的爱子即几多耶稣献给人类的宗教故事。 第二点，中国画的山水，在古代本来优艾设计网_PS问答只作为人物画的背景而存在着，在画面上所占的地位不多，后来，山水在画面上所占的地位逐渐扩大，终于发展成为独立的一种绘画，花鸟画也有类似的情况。就西洋画来说，西洋的风景画与中国的山水画虽然不同，其静物画也与中国的花鸟画不同，但其发展过程却与山水画和花鸟画有相似的情况。 在中国画方面，山水画在汉朝有萌芽，据传刘褒画有“云汉图”和“北风图”。在成都出土的汉画像砖中，有块砖上描写山中狩猎于井矿采盐的场面，在画面上大部分画的是群峰罗列的山景，人物几乎成为点缀。山水画开始脱离人物画而独立起来，是在六朝时代，那时候，顾恺之、王微、宗炳都能画山水，顾恺之写有《画云台山记》一文，宗炳写有《画山水序》一文，据传宗炳是“好山水，西涉荆巫，南登衡岳，因结宇衡山。”并且“方所游历，皆图于壁。”（《历代名画记》卷六）可惜其画失传。发展到隋代，展子虔的“游春图”是一直保存到现在的最古的一幅山水画。到了唐代，山水画已经成熟，不但完全独立，并且发展成为一种重要的画科。当时著名的山水画家有吴道子、李思训、王维、张璪……等。 花鸟画也是到了唐代才发展成为独立的一种画科。到了晚唐，花鸟画更昌盛，著名的画家有边鸾、刁光胤……等。 山水画和花鸟画之所以能够成为独立的一科。也是有一定的阶级关系的，当时画山水、花鸟的，多是一班士大夫阶级的文人、名士甚至是隐士，所谓“诗中有画，画中有诗”绘画与诗文结合起来，脱离了政治和宗教的束缚，走到另外一个境界中去了。 在西洋画方面，最初，风景画也是以作为人物画的背景出现的。后来，在十七世纪的荷兰，才有纯粹的风景画的萌芽，例如仑勃兰德（Rembrandt Harmensz van Rijn）、诃贝玛（meindert Hobbema）、路易斯达尔（Jacob van Ruisdael）等的风景画。十八世纪末的法国资产阶级大革命沉重地打击了封建制度，为法国资本主义扫清了道路。此后，浪漫主义画派兴起，出现了不少风景画家。但是，风景画真正发展成为独立的一科，是在十九世纪初期，具体地说，是在一八三零年左右，那时候重要的风景画家先后有：英国的忒涅(Joseph Mallord William Turner)、法国的科洛(Millet Corot)、米勒Jean Francois Millet)等人。印象画派则更进一步发展了风景画，其中主要的画家是莫奈(Claude Monet)、毕沙罗(Camille Pissarro)、西斯莱(Alfred Sisley)等人。莫奈的代表作有“威尼斯”、“泰姆士”及其连坐（Serie）“草堆”和“庐安寺的前门”等。 所谓静物画，是把画中的“五”看成是静止的不动的东西。静物画的萌芽较后与风景画，约在十八世纪初，开始有“静物画”（stilllfe）的名词，最初的静物画画的是“食桌”，在食桌上放一些食物和杯盘等物，例如夏尔丹（J. S. Chardin）的静物画。静物画之成为独立的一科，同样是在十九世纪初的那个时期。 第三点，中国画于西洋画，最初都是注重内容的，但发展到后来，都变为注重画面上的笔墨色彩而不注重其内容了，这种从重视内容到重视形式的趋势是相似的。 在中国画方面，前面已经说过，在历史上，起初是指画人物，为宗教服务。但发展到后来，山水画和花鸟画兴起后，所画的山水或花鸟，都含有一定的意义，例如一幅古代的山水画往往是表示隐逸的消极思想，一幅古代的花鸟画并非为花鸟而画花鸟，而是含有一种意义在内的，例如画竹子以象征清高，画牡丹以象征富贵等等。不过，发展到后来，其所含的象征意义渐渐被视为次要的，而画面上的笔墨趣味及其优劣却变成为重要的了。但是这种轻重倒置的情况，在全国解放以后，已经逐渐转变过来，基本上实现了评价中国画的标准为内容第一、政治第一，而形式和笔墨已褪去到第二位了。 在西洋画方面，也由于中国画相似的情况，就是西洋画在绘画宗教化的时期，也是注重画的内容的。但是，在进入十九世纪以后，“自然主义画派”和“印象画派”都注重于描绘画面上光和色的变化，注重于外形的呈现，并且不但对风景画、静物画是这样描绘，就是对于人物画也是这样画的，对于画的内容则反不加注重。 在内容方面，中国画于西洋画不同的地方也约有三点。 第一点，中国画方面，所画的山水、花鸟往往含有象征性，注入了一定的主观部分，例如画梅花、松树或菊花，以象征其不怕严寒，用于冰雪斗争的精神。古代人所画的山水画，往往是讴歌消极的隐逸思想的，例如宋马远华的“寒江独钓图”和元钱选画的“山居图卷”。 而西洋画的风景画和静物画是没有什么象征性的，主要是纯粹地追求画面上的美，讲究光和色的调和，花的内容反而处于次要的地位。 第二点，中国画在主题内容方面的选择，除人物、山水、花鸟等几种画科外，有些东西如花鸟中的梅竹、鸟兽中的马、牛、羊及其他杂物，画家们喜专门擅长画其中之一物，例如在唐朝，韩干长于画马，韩滉长于画牛；张南本长于画火，孙位长于画水；元王冕长于画梅等等。晚唐在山水画和花鸟画兴起以后，出现了这种情况。 但是在西洋画方面，是没有这种情况的。 第三点，在中国画的画面上，可以题诗以阐发那幅画的主题思想，诗和画互相结合起来，这种例子是很多的。而在西洋画方面是没有这种情况的。 二、中国画于西洋画在形式方面的比较 再就形式方面来看，则中国画于西洋画所不同的地方较多，而相通的地方太少。 第一，在中国画方面，人物画中的人物都穿着衣服，很少是裸体的，主要在于表现人物的姿态和特点，并不在于讲究人体各部分的比例和动作时肌肉和外形的变化，所以没有研究“艺术解剖学”的必要。 在西洋画方面，人物画中的人物有裸体的，所以必须研究“艺术解剖学”，严究人体各部的骨骼比例及动作时肌肉外形的变化等等。 这一点主要是因为西洋人对待人体美的态度和着眼点，与中国人有所不同。 第二，中国画中的景物，不重视也不描绘物体上的光及物体上的色彩因受到光的影响所起的变化，换一句话说，就是不大注重形似，所注重描绘的是景物的神奇和性格，也就是说，注重神思。花鸟画里的画是生动的，鸟也是有动态的。 西洋画里的景物，非常注重物体上的光和其色彩因受到光的影响所引起的变化，要求描绘的肖似，与真实景物一般无二，换一句话说，就是重视形似，静物画里的鸟是静的死的。 第三，中国画可以不受“透视法”的拘束，在一幅画的画面上，其视点是不固定的，可以上下前后自由移动，突破了空间的约束。 西洋画由于重视形似，诛求立体化，要求肖似真实的景物，所以非常重视“透视法”，在一幅画面上，只能有一个固定的观点，不能随意移动。 第四，中国画在画面上很重视线。画人物，要先勾线，后填色，在衣服上所勾的线叫做“衣褶”。画花鸟，也有先勾线后填色的方法，如工笔花鸟。画山水时，画山的线叫做“皴法”。这些线都要求它具有写字的笔法。并且，这种线并非仅指当作界线或轮廓看待，还具有表现人物的感情或物体的性质的作用。 在西洋画的画面上，不注重线而注重色，如在油画的画面上，一般只用色来分别出物与物之间的“界”，在界上并不描“线”，在十九世纪末的一些西洋画派也描线，不过这种线仅只起着轮廓的作用而已。铅笔画、木炭画等素描画，在画面的物体上所描的线，其作用也是如此。 第五，中国画不重视背景，画面上往往要留出很多空白。 西洋画则重视画背景，不论人物、风景或静物画，都要画背景，画面上涂满了色彩，不留一点空白的地方。 第六，中国画的画幅形式是多种多样的，小幅画有册页或扇面等形式。较大的画有叫做“卷轴画”的形式，卷轴画除直幅者外，还有叫做“手卷”的横幅形式，无论直幅或横幅都可以长达一丈有余。 西洋画幅的形式，一般为长方形，长方形的大边与小边纸币，约为5：3，叫做“黄金律”比较缺少变化。 第七，中国画的工具，一般是毛笔和宣纸，除用颜色外，还用墨，在砚上磨成黑色后画之。西洋画的工具，除水彩画所用的毛笔与颜色，与中国画所用者相似外，其所用的至于宣纸不同。画油画，要利用油来代理水来调色，不画在纸上而画在布上。与中国画所用的工具有显著的不同。
覃天 2021-05-17 07:54 《达.芬奇自画像》 意大利绘画大师达.芬奇的素描精品。他的素描作品的艺术水平已达极高的境地,被誉为素描艺术的典范。在这幅《自画像》中,画家观察入微,用的线条丰富多变,刚柔相济尤其善用浓密程度不同斜线表现光暗的微妙变化,此画用线生动灵活,概括性强,简单的寥寥数笔却包含许多转折,体面关系,发线代面,立体感很强,还有,人物的表情也很传神。 《岩间圣母》 此画为祭坛画 ,达芬奇， 189.5X119.5厘米,现藏伦敦国立美术馆. 此画是应一宗教团体之请而为米兰的圣弗朗切斯科教堂的一间礼拜堂作的祭坛画。此画以圣母居图中央,她右手扶婴孩圣约翰,左手下坐婴孩耶酥,一天使在耶酥身后,构成三角形构图,并以手势彼此响应,背景则是一片幽深岩窟,花草点缀其间,洞窟通透露光。此画虽属传统题材,然表达手法和构图布局皆表明达.芬奇的艺术水平之高深。人物,背景的微妙刻画烟雾状笔法的运用,科学地写实以及透视,缩形等技术法的采用,表明了他在处理逼真写实和艺术加工的辩证关系方面达到了新的水平。这幅画是标志达.分奇盛期创作开始的作品。 《蒙娜丽莎》 《蒙娜丽莎》 达.芬奇 油画 77X53厘米,现藏卢佛尔美术馆。 <<蒙娜丽莎>>是一幅享有盛誉的肖像画杰作,它代表达。芬奇的最高艺术成就.,成功地塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象。画中人物坐姿优雅,笑容微妙,背景山水幽深茫茫,淋漓尽致地发挥了画家那奇特的烟雾状“空气透视”般的笔法。画家力图使人物的丰富内心感情和美丽的外形达到巧妙的结合,对于人像面容中眼角唇边等表露感情的关键部位,也特别着重掌握精确与含蓄的辩证关系,达到神韵之境,从而使蒙娜丽莎的微笑具有一种神秘莫测的千古奇韵,那如梦似的妩媚微笑,被不少美术史家称为“神秘的微笑”。 达·芬奇在人文主义思想影响下,着力表现人的感情。在构图上,达·芬奇改变了以往画肖像画时采用侧面半身或截至胸部的习惯, 代之以正面的胸像构图,透视点略微上升,使构图呈金字塔形,蒙娜·丽莎就显得更加端庄、稳重。 另外，蒙娜·丽莎的一双手，柔嫩、精确、丰满,展示了她的温柔,及身份和阶级地位。显示出达·芬奇的精湛画技和他观察自然的敏锐。 《最后的晚餐》 《最后的晚餐》达.芬奇 油画 1495-1498 420X910厘米,现藏米兰圣玛利亚德尔格契修道院. 达.芬奇毕生创作中最负盛名之作。在众多同类题材的绘画作品里,此画被公认为空前之作,尤其以构思巧妙,布局卓越,细部写实和严格的体面关系而引人入胜。构图时,他将画面展现于饭厅一端的整块墙面,厅堂的透视构图与饭厅建筑结构相联结,使观者有身临其境之感。画面中的人物,其惊恐,愤怒,怀疑,剖白等神态,以及手势,眼神和行为,都刻划得精细入微,唯妙唯肖。这些典型性格的描绘与画题主旨密切配合,与构图的多样统一效果互为补充,使此画无可争议地成为世界美术宝库中最完美的典范杰作 《创造亚当》 《创造亚当》 米开朗基罗 壁画 1508年 米开朗基罗的代表壁画中的重要部分。因为他在佛罗伦萨的盛名,当时的罗马教皇尤里乌斯二世邀他参加制作教皇陵墓,后又中断。1508年他被迫接受了西斯廷礼拜堂屋顶壁画的任务,他当时的心情是悲愤的,不料此壁画后来成为他生平最大杰作。西斯廷屋顶壁画面积达500平方米左右,是美术史上最大的壁画之一。米开朗基罗在大厅的中央部分按建筑框边画了连续9幅大小不一的宗教画,均取材于《圣经》中有关开天辟地直到洪水方舟的故事,分别名为《神分光暗》,《创造日,月,草木》,《神水分陆》,《创造亚当》,《创造夏娃》,《诱惑与逐出乐园》,《挪亚献祭》,《洪水》,《挪亚醉酒》。这幅巨型壁画历时4年多才完成,由于长期仰面艰苦作画,他颈项僵直,书信都要置头顶仰视.其中以《创造亚当》最为出色,画中亚当的形象体态健壮,气魄宏伟,具有强烈的意志与力量,显示了艺术家在写实的基础上非同寻常的理想加工,予同时代人深刻的启示。 《播种者》 《播种者》 米勒 1850年 101X82.5厘米 美国波士顿美术馆藏 。 米勒(Jean-Francois millet 1814-1875)法国画家。1814年10月出生于诺曼底半岛格鲁什村的一个耕农家庭,1875年1月卒于巴比松。他自幼参加田间劳动。此画描绘了一对青年夫妇赶赴田间劳作的图景，构图线条分明，很好地反映出农民特有的气质；色彩沉着,加之丰富细腻的暖调子,使作品在纯朴浓厚浑厚中,具有撼人的力量。 《梦》 毕加索 油画 1932年 1927年,47岁的毕加索与长着一头金发,体态丰美的17岁少女初次相遇,从此,这位少女便一直成为毕加索绘画和雕刻的模特儿。<<梦>>这幅画作于1932年,是毕加索对精神与肉体的爱的最完美的体现。 《拾穗者》 米勒 1857年 油画 83.5X111厘米 巴黎卢佛尔博物馆藏。 米勒出身于农民家庭,在他眼里，大自然有着“无穷无尽的壮观”。他曾因他的“乡下佬模样”和质朴的画风被巴黎沙龙中的某些同行冠以“森林中的野人”的绰号,米勒试图把我们引入土地的深处，在开阔而又静穆的景观中去感受她的沉重与充实，倾听她深沉宁静的呼吸，体会她朴实顽强的生命，体会土地与土地上的农民自然般运行的命运。在这幅画中,米勒采用横向构图描绘了三个正在弯着腰,低着头,在收割过的麦田里拾剩落的麦穗的妇女形象,她们穿着粗布衣裙和沉重的旧鞋子,在她们身后是一望无际的麦田,天空和隐约可见的劳动场面。米勒没有正面描绘她们的面部,也没有作丝毫的美化,她们就如现实中的农民一样默默地劳动着。在造型上,米勒用较明显的轮廓使形象坚实有力,很好地表现了农民特有的气质。色彩沉着,加之丰富细腻的暖调子,使作品在纯朴浓厚浑厚中,具有撼人的力量。罗曼.罗兰曾评论说:"米勒画中的三位农妇是法国的三女神"。 《伊莎贝尔.科沃斯.德波塞尔夫人》 哥雅 1806年 82*54.6公分 哥雅（Francisco Jose de Goya Y Lucientes,1746-1828)西班牙近代现实主义画家。出身农民家庭，14岁开始学画。年轻时曾任宫廷画家。1793年思想由乐天无忧进入愤懑呐喊；画风有明朗鲜明转为深沉浑厚，是近代现实主义绘画的奠基人。 《伊莎贝尔.科沃斯.德波塞尔夫人》是哥雅早期宫廷画之一，这幅充满自信的西班牙女性画像，是哥雅极富热情的杰作。其人物原形是卡斯蒂里亚地区的高官夫人，按照十八世纪后期上流社会风行的典型装束创作。 《草地上的午餐》 《草地上的午餐》 马奈 油画 1863年 213.4X268厘米 藏巴黎卢佛宫博物馆 《草地上的午餐》1863年在落选者沙龙中展出,一画引起了世所罕见的轰动,他直接表现尘世环境，把全裸的女子和衣冠楚楚的绅士画在一起，画法上对传统绘画进行大胆的革新，摆脱了传统绘画中精细的笔触和大量的棕褐色调，代之以鲜艳明亮、对比强烈、近乎平涂的概括的色块，这一切都使得官方学院派不能忍受。此画在构图上,把人物置于同一类树木茂密的背景中，中心展开了一个有限的深度，中间不远的地方那个弯腰的女子，成为与前景中三个人物组成的古典式三角形构图的顶点。在技法上,把绘画作为二度表面的主张又向前推进了一步,在对外光和深色背景下出现作了新的尝试,因此此画在艺术技巧和历史意义上都是一个创新。 《天上的爱与人间的爱》 提香 意大利 1515年 118X279厘米 《天上的爱与人间的爱》描绘的是美狄亚与维纳斯的相会,裸体的维纳斯劝她身旁的美狄亚去协助伊阿宋盗取金羊毛,但从画面情节来看这种说法又很不确定,所以内容至今未定。此画是提香描绘女性美创作的早期作品，这一阶段是他陶醉于乔尔乔奈的风格时期,这个时期的创作在很大程度上是强调人的壮美与和谐,此画风格粗犷豪放，笔力雄健，但人物本身所具有的闲雅微妙的精神状态与纯洁高尚的品质，又使作品具有牧歌式的情调,宁静优美。提香笔下的裸体美,具有生活与感情的因素,绝不是神化了的女性加之独特的构图和雄浑辉煌的色彩都铸就了此画不朽的艺术魅力。 《圣母升天》 提香 意大利 690*360 教堂壁画 这是一幅具有恢宏气势的巨大壁画,描绘了圣母升天的神圣瞬间,具有浓厚的宗教色彩。画中，站于地面上的是仰天呼送圣母的人们,动态不一,但神情却是一致的虔诚,中间是一群被天使们簇引,身穿红衣的圣母,上方是有天使相随的上帝。这是提香早期作品,构图庄严,描绘真实细腻。 《美丽的女园丁》 《 美丽的女园丁》 拉斐尔 油画 1507年 122X80厘米 此画通过美丽的女园丁的形象,表现圣母玛利亚的世俗之爱的精神。笔锋细腻，技巧完美，表现女园丁的亲切、和蔼，赤子的纯洁可爱，对于母性的依恋，给人一种感受煦暖阳光普照的亲情。生动传神地传达了作者对生活的渴望。 《维纳斯的诞生》 《维纳斯的诞生》 波提切利 布上画 1432年 175X283厘米 藏于乌菲齐美术馆。 波提切利(Sandro Botticelli 1445-1510意大利画家,佛罗伦萨画派的重要代表,《维纳斯的诞生》是他的名作，创作于1432年左右。据说，画家从波利齐安诺一首长诗《吉奥斯特纳》中受到启迪而绘就的，此画再现女神维纳斯从爱琴海中浮水而出,风神,花神迎送于左右的情景,画中维纳斯的姿态，是按照古典雕像的样式来描绘的，然而画上的形象并没有古典雕像的健美与娴雅，给人一种是萎靡和娇弱，并且充满着对生活的迷茫的感觉，这也是波提切利本人矛盾世界观的反映。但在另一方面又强调了秀美、清纯、含蓄之美。 波提切利很善于用线。线条在维纳斯裸体上变得极为流畅，至于那个风神形象上的线就更复杂，具有旋转的趋势。全画的色调也极明朗和谐，艺术家用这一切来尽量强调形象的秀美与清淡，只能让人感到作者的意图是神秘的，主题思想是隐晦的。 《凡高自画像》 凡高是荷兰人,但长年生活在法国,是后印象派的重要的画家。1887年，通过弟弟提奥的介绍，凡高在巴黎见到毕沙罗，修拉、和高更。开始接受印象派的画风。更加强调用色彩突出主题的绘画风格。在他的画中，总是一片色彩和笔触的狂欢，这种画面所造成的气氛效果表现出一种罕见的旺盛的生命力。这副《自画像》就是如此。凡高一生画过无数的《自画像》，这幅《自画像》属较前期作品。 《向日葵》 凡高 1888年 91X72厘米 凡高的艺术是伟大的,然而在他生前并未得到社会的承认。他作品中所包含着深刻的悲剧意识,其强烈的个性和在形式上的独特追求,远远走在代的前面,的确难以被当时的人们所接受。他以环境来抓住对象,他重新改变现实，以达到实实在在的真实，促成了表现主义的诞生。在人们对他的误解最深的时候，正是他对自己的创作最有信心的时候。因此才留下了永远的艺术著作。他直接影响了法国的野兽主义,德国的表现主义,以至于20世纪初出现的抒情抽象肖像。《向日葵》就是在阳光明媚灿烂的法国南部所作的。画家像闪烁着熊熊的火焰,满怀炽热的激情令运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力,色彩的对比也是单纯强烈的。然而,在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。观者在观看此画时,无不为那激动人心的画面效果而感应,心灵为之震颤,激情也喷薄而出,无不跃跃欲试,共同融入到凡高丰富的主观感情中去。总之,凡高笔下的向日葵不仅仅是植物,而是带有原始冲动和热情的生命体。 《 苹果与橘子》 塞尚 法国 74 x 93 cm 现藏芝加哥艺术学院。 塞尚(Paul Cezanne 1839-1906),法国画家,继印象主义之后的绘画革新家,与凡高,高更一起被后人称这"印象主义之后"（Post-impressionism）。他认为：印象派画家表现的主观感觉和印象经常是“混乱的”，因此他主张排斥事物闪动而模糊的外表，去领悟那永不改变的内在真实。他在画中，注重探索事物的 “结构”，表现深植于事物中的本性；塞尚在吸收印象主义技法的同时,更加关心实体感与构图,关心均衡与结构,因此画面显示出凝重厚实和恒定持久的感觉。《苹果与橘子》就是这一技法的典型。另外，画中构图和谐流畅，无论从哪一方面来看，都体现出美感。 《教皇英诺森十世像》 1650年 油画 140X120厘米 罗马利来-庞斐利画廊。 委拉士贵支在1649年第二次去意大利时在那里完成了一幅著名的肖像画<<教皇英诺森十世像>>,在这幅肖像中,画家既表现了此人的凶狠和狡猾,又表现了这个七十六岁老头优艾设计网_设计LOGO子精神上的虚弱。画面上的教皇,尽管脸上流露出一刹那坚强有力的神情,但是他放在椅上的两只手都显得分外软弱无力。画家巧妙地抓住了这一点使人物形象变得更富有个性。从而给观众增加了很多的联想。这幅作品的油画技巧也是十分出色的。画面上,火热的红调子表现了特有的宗教的庄严气氛;白色的法衣和红色的披肩形成了强烈的色彩对比。笔触十分流畅自由,表现出艺术家的高超技巧。 《泉》 安格尔 1856年 164X80厘米 卢佛尔美术馆 此画是安格尔裸女形象中最负盛名的一幅,是他自于1820开始的,经近30年才完稿，传说他的助手还帮他绘制此画。是西欧美术史上描写女性人体的优秀作品之一。安格尔笔下的这个少女纯洁,典雅,恬静,健康,美丽,充满生命的活力和青春的朝气。画面左下角那朵含苞未放的雏菊下是她的象征。从这幅画里,人们感到的是一个宁谧,幽静的抒情诗般的境界,心灵得到慰藉,感情得到升华的崇高境界。当时,这幅画引起了人们极大的兴趣。争相抢购当时有五个卖主争执不休,后来被杜夏特尔伯爵买去了,后来他赠给卢佛尔博物馆。 《伏尔加河上的纤夫》 列宾 油画 1873年 藏于俄罗斯博物馆。 列宾(1844-1930),是俄国19世纪后期的俄国批判现实主义绘画主要的代表之一,《伏尔加河上纤夫》是他的成名之作。还在学生时代,彼得堡涅瓦河上纤夫的沉重劳动引起了列宾的同情,从那时候开始,他就想描绘一幅表现纤夫的作品,以提示下层劳动人民的痛苦生活和社会的不平。1870年夏季,列宾与同班同学华西里耶夫(他后来也画过有关纤夫的画)去伏尔加河旅行写生,典型的俄罗斯风光和纤夫的生活给他留下了难忘的印象。画中列宾画了十一个饱经风霜的劳动者,他们在炎热的河畔沙滩上艰难的拉着纤绳。纤夫们有着不同的经历和个性,他们生活在社会的最底层,但这是一支在苦难中练成坚韧不拔,互相依存的队伍。背景运用的颜色昏暗迷蒙，空间空旷奇特，给人以惆怅、孤苦、无助之感，切实深入到纤夫的心灵深处，亦是画家心境的真实写照，这对画旨的体现，情感的的烘托起了极大的作用。 因此本画的构图、线条、笔力等绘画技巧都是相当成功的。
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